Ob Sie durch die aufstrebende Rotunde des Guggenheim-Museums gewandert sind und sich gefragt haben, was es braucht, um Kunst an die (abgerundeten) Wände zu bringen, oder ob Sie eine Karriere in den Künsten in Betracht ziehen, suchen Sie nicht weiter.
Wir haben Nancy Spector, stellvertretende Direktorin, und Jennifer und David Stockman, Chefkurator des Guggenheim-Museums, getroffen, um von einem führenden Vertreter der Branche zu hören und einen Eindruck von dem Spagat zu bekommen, der an der Spitze eines der angesehensten der Welt stehen muss Museen für moderne Kunst. Spector teilte großzügig ihre Einsichten in die Kunst im digitalen Zeitalter mit, angefangen als Praktikantin (Anmerkung des Autors: auch ich) und als erstes Kunstwerk, das sich auf sie auswirkte.
Können Sie beschreiben, was es bedeutet, stellvertretender Direktor und Chefkurator eines Weltklasse-Kunstmuseums zu sein?
In wenigen Worten würde ich sagen, dass es ein intensiver Balanceakt ist. Als stellvertretender Direktor, der eng mit dem Direktor Richard Armstrong zusammenarbeitet, bin ich verantwortlich für die Inhaltsentwicklung im Guggenheim in New York, aber auch bei unseren Tochtergesellschaften in Bilbao, Venedig und Abu Dhabi (die sich derzeit in der Entwicklung befinden). Ich denke über die Institution in einem globalen Kontext nach und was dies für unsere Programmierung, unsere Sammlung und unser Engagement in Kulturen auf der ganzen Welt bedeutet.
Hinzu kommt die genauere Verwaltung unseres Ausstellungskalenders, bei der wir mit den einzelnen Kuratoren zusammenarbeiten, um ihre Programme bestmöglich umzusetzen, sicherzustellen, dass wir auf Mission bleiben, neue Stipendien produzieren und Innovationen hervorbringen. Wir sind alle Spendenaktionäre im Museum, daher widme ich mich viel der Förderung von Kunden, der Identifizierung einzelner Spender und Sponsoren sowie der Formulierung von Initiativen, die möglicherweise Unterstützung finden. Als Kurator habe ich auch eigene Ausstellungsprojekte zum Forschen und Produzieren, was immer der Kern meiner Praxis war.
Wie sieht ein typischer Tag in Ihrem Büro aus?
Ich glaube nicht, dass ich jemals einen „typischen“ Tag zum Zitieren habe. Ich kann mit den anderen Kuratoren, Abteilungsleitern, Vorstandsmitgliedern oder Gästen in aufeinanderfolgenden Besprechungen sein. Die Themen reichen von Programmdiskussionen, Kalender- und Budgetüberprüfungen, strategischer Planung, Akquisitionsvorbereitung, Sammlungsverwaltungsrichtlinien und Installationsüberprüfungen, um nur einige zu nennen. Aber ich kann auch den größten Teil des Tages in der Bibliothek sein oder schreiben. Dann gibt es Galerie- und Atelierbesuche, für die ich Zeit zu reservieren versuche.
Wie bringen Sie den Forschungs- und Ausstellungsanteil als Kurator mit den administrativen Aufgaben einer Kulturinstitution in Einklang? Wie trägst du beide Hüte?
Ich versuche, die Zeit für Nachforschungen, Lesen und Schreiben im Voraus in meinem Kalender zu sperren, damit ich Tage ohne Besprechungen habe. Aber um ehrlich zu sein, wird ein Großteil der kreativen Arbeit „nach Stunden“ erledigt, wenn es so etwas nicht mehr gibt.
Maurizio Cattelan: Alle, Solomon R. Guggenheim Museum, 4. November 2011 - 22. Januar 2012. David Heald © Solomon R. Guggenheim Foundation
Könnten Sie ein wenig über das Kuratieren von Ausstellungen im Frank Lloyd Wright-Gebäude sprechen, eine künstlerische Aussage an sich?
Die exzentrische Architektur des Guggenheim bietet einen der prächtigsten Orte, um Kunst zu betrachten. Klar, ich bin voreingenommen, da ich so viele Jahre dort gearbeitet habe, aber die Kombination, ein Kunstwerk auf intime Weise zu sehen - direkt davor in einer unserer Buchten - und es über die Weite des zu betrachten Rotunde, ist eine einzigartige Erfahrung. Als Kurator muss man diese räumliche Realität bei der Planung einer Installation berücksichtigen. Wir alle neigen dazu, linear zu denken, wie eine Sache neben der anderen liest, aber im Guggenheim muss man auch darüber nachdenken, wie die Arbeit vertikal gelesen wird, wie sie sich aufbaut, wenn man sieht, was auf den Rampen darüber und darunter liegt .
Meine denkwürdigsten Ausstellungsprojekte waren jene, an denen zeitgenössische Künstler beteiligt sind, die auf erstaunliche, beispiellose Weise auf das Gebäude reagieren. Matthew Barney hat das Gebäude als Charakter in seinen Film Cremaster 3 aufgenommen ; dort filmte er eine ganze traumsequenz, in der er den innenraum skalierte. Dieses Filmmaterial wurde dann buchstäblich zum Mittelpunkt einer Installation aus Skulptur, Video und Fotografie, die den gesamten fünfteiligen Cremaster-Zyklus zusammenfasste. Für die Ausstellung, die ich mit Tino Sehgal kuratiert habe, ließen wir die Rotunde als Hintergrund für seine gesprächsbasierte Arbeit, bei der die Besucher mit vier Generationen von von Künstlern ausgebildeten „Dolmetschern“ diskutierten, als sie die Rampen hinaufgingen, völlig leer . Und Maurizio Cattelan setzte in einer provokativen, selbstironischen Geste jede seiner Arbeiten aus dem Oberlicht des Museums aus und kommentierte ironisch die Totalisierung retrospektiver Ausstellungen.
Was war dein erster Job in der Kunstwelt?
Nachdem ich meinen Master gemacht hatte, absolvierte ich ein Praktikum im Guggenheim, das sich für mich zufällig zu einem richtigen Job entwickelte. Ich wurde als kuratorische Assistentin eingestellt und bin seitdem, abgesehen von einem kurzen Aufenthalt, im Museum.
Welchen Rat würden Sie jungen Menschen geben, die an einer Karriere in den Künsten interessiert sind?
Ich rate immer, mindestens einen Master-Abschluss in Kunstgeschichte oder Kulturtheorie zu machen. Praktika scheinen immer wichtiger zu werden. Heutzutage braucht man fast Praktika, um Praktika zu bekommen. Aber praktische Erfahrung ist wirklich wichtig.
Neben dem Praktischen und dem Theoretischen würde ich vorschlagen, einen Mentor zu finden, der dabei helfen kann, durch die verschiedenen Bereiche der Kunstwelt zu navigieren. Es gibt verschiedene Wege, wenn Sie in einem Museum, einer Galerie oder einem Auktionshaus arbeiten oder einen eigenen alternativen Raum gründen oder eine Zeitschrift gründen möchten.
Matthew Barney: Der CREMASTER-Zyklus, Solomon R. Guggenheim Museum, 21. Februar 2002 - 11. Juni 2003. David Heald © Solomon R. Guggenheim Foundation
Glauben Sie, dass Kuratieren unterrichtet werden kann (im Kontext der vielen kuratorischen Graduiertenprogramme)?
Ich hatte eine traditionelle kunsthistorische Ausbildung und lernte das Kuratieren am Arbeitsplatz, daher fällt es mir schwer zu sagen. Ich denke, die Übung des Formulierens und Kommunizierens einer Ausstellungsthese kann gelehrt werden, aber die Installationsfähigkeiten und die Ausführung der Vision eines Künstlers können nur durch Erfahrung verbessert werden.
Es ist ein Sprichwort, dass sich das New York in einer Generation so sehr verändert hat, von der 57. Straße über Soho bis Chelsea und wo immer wir jetzt sind, mit Dutzenden internationaler Biennalen und Kunst, die online erlebt werden. Was hat sich wohl zum Besseren verändert? Was hat sich zum Schlechten verändert?
Die Tatsache, dass Kunst zu einem „Lebensstil“ geworden ist, bei dem so viele wohlhabende Menschen versuchen, Trophäensammlungen und Kunstmessen zu Partyzielen zu machen, kann nicht gut sein. Es ist nicht gut für die Künstler, die ständig "Produkte" herstellen müssen, um all diese Messen aufrechtzuerhalten, die einen verzerrten Schauplatz für die Besichtigung ihrer Werke bieten. Immer weniger Menschen sehen die Ausstellungen in der Galerie der Künstler, in denen sie ein Werk präsentieren können, das ein bestimmtes Argument vorgibt. Stattdessen begegnen sie dem vereinzelten Stück in einem Messestand. Das gesteigerte Interesse führt jedoch zu einer höheren Besucherzahl in Museen, was die gemeinnützige Seite der Gleichung unterstützt.
Ich denke, die Erweiterung unserer digitalen Kultur bietet eine positive und vielversprechende Veränderung in der Art und Weise, wie Menschen visuelle Kultur herstellen, verbreiten und konsumieren. Ich unterstütze nicht unbedingt "Internetkunst", sondern vielmehr, wie Künstler verschiedene Online-Plattformen nutzen, um ein neues Publikum zu erreichen. Beispielsweise hat das Guggenheim vor einigen Jahren mit Google zusammengearbeitet, um ein Award-Programm zu starten, das kreative Videos auf YouTube auszeichnet. Es war ein radikales Experiment für uns, aber wir glauben, dass YouTube (und auch Vimeo und jetzt Vine) jungen oder aufstrebenden Talenten die Tools bietet, mit denen sie Arbeiten auf eine Weise erstellen und verbreiten können, die es zuvor noch nie gab. Zugegeben, es gibt wenig bis gar keinen Filter, aber genau das haben wir bereitgestellt.
Matthew Barney: Der CREMASTER-Zyklus, Solomon R. Guggenheim Museum, 21. Februar 2002 - 11. Juni 2003. David Heald © Solomon R. Guggenheim Foundation
Was war das erste Kunstwerk, das Sie nachhaltig geprägt hat?
Nun, meine Eltern hatten ein Faksimile eines Jackson Pollock-Tropfgemäldes in unserem Wohnzimmer, also war ich in sehr jungen Jahren der Abstraktion ausgesetzt. Der eigentliche Wendepunkt für mich war die Joseph Beuys-Ausstellung im Guggenheim, die ich während des Studiums gesehen habe, ohne etwas über den Künstler zu wissen (oder über zeitgenössische Kunst im Allgemeinen, da ich ein Hauptfach für Tanz und Philosophie war). Die Installation, die narrativ und fantastisch war, kam mir irgendwie als dringend vor und ich wollte mehr wissen.
Was war die letzte Ausstellung, die Sie wirklich begeistert hat?
Es ist eine Kombination aus Pierre Huyghes jüngster Retrospektive im Georges Pompidou Centre und Philippe Parrens Umfrage im Palais de Tokyo, beide in Paris. Beide Shows animierten ihre Umgebungen auf einzigartige Weise mit Ton, Licht, Zeit und Geschichten. Pierre verwendete lebende Elemente - einen Hund und kostümierte Darsteller - als Teil der Installation. Es war die erste Ausstellung, die mir begegnet ist, als ich sie mir ansah.
